¿Qué queda de una canción una vez que deja de sonar? ¿Cómo pasa una letra de un papel a un disco? ¿Qué pasa cuando se apagan los focos de un escenario? En Canciones desde El Puerto, a lo largo de una profunda conversación con el periodista Juanjo Ordás, Enrique Bunbury repasa las historias, ideas y vivencias que han dado forma a su trayectoria, desde el origen de sus letras hasta los momentos más significativos de sus giras y colaboraciones. 

Sin intermediarios ni reinterpretaciones de sus testimonios de primera mano, Bunbury, guiado por el periodista, revisita su proceso creativo, desvela el significado de algunas de sus composiciones más personales y recupera anécdotas y recuerdos que nunca había contado. Un recorrido íntimo y revelador por el universo de uno de los artistas más influyentes del rock español. 

Esta entrevista, hasta ahora inédita, revela a Juanjo Ordás como un gran conocedor de la obra del artista y como un escritor que sabe acercarse a la persona.

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A través de una extensa selección de materiales de archivo —cartas, fotografías y partituras— y de los testimonios de quienes lo conocieron, Viajes a través del sentimiento dibuja el retrato de Arthur Russell, un compositor experimental, pionero del disco underground, poeta sonoro y creador incansable.  

Desde sus años formativos en Iowa, su paso por comunas budistas y su inmersión en el Nueva York más creativo y contracultural, hasta su rol clave en espacios como The Kitchen o las pistas del Paradise Garage, cada etapa vital de Russell está narrada con una sensibilidad que huye del mito para acercarse al hombre.  

Dejando que sean los propios documentos y voces quienes cuenten la historia, Richard King se sumerge en el legado, de más de 800 cintas inéditas, y el proceso creativo de un músico que no dejaba de grabar, de probar y de preguntarse cómo sonarían sus ideas tanto en la pista de baile como en una sala de conciertos vacía. 

Viaje a través del sentimiento no pretende cerrar un relato, sino abrirlo: invita a reconstruir a Arthur Russell desde fragmentos, a escuchar su obra con nuevos oídos y a entrar en ese territorio impreciso entre el arte y la emoción donde él se movía con timidez, rigor e imaginación desbordante. Un libro para quienes ya lo admiran y para quienes están por descubrirlo. 

«Tocó el chelo para Allen Ginsberg, estuvo a punto de unirse a Talking Heads y fue sampleado por Kanye West. Por fin, el singular y transversal Arthur Russell tiene el estudio exhaustivo que merece». Kitty Empire, The Observer 

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Antes de The Dream Syndicate, de la escena Paisley Underground y de compartir carretera y escenarios con bandas legendarias del rock alternativo como R.E.M., en la vida de Steve Wynn hubo tiendas de discos, estudios universitarios inconclusos y una breve deriva hacia el periodismo deportivo. 

Lejos de la imagen lineal del éxito, No lo diría si no fuese cierto se abre paso entre una juventud en Los Ángeles marcada por la separación familiar, la alternancia entre dos hogares y una educación moldeada por la cultura popular de los años sesenta y setenta hasta llegar al punto de inflexión: el nacimiento de The Dream Syndicate. 

Pero el núcleo del relato no es solo la fama, sino también el desgaste: las tensiones con la industria discográfica, los procesos de grabación que diluyen la energía original de las canciones y las decisiones que marcan el rumbo de una carrera en constante negociación entre libertad y estructura. 

Lo que emerge es algo más que la crónica de una banda, es un relato que ilumina tanto el funcionamiento interno del mundo del rock como el impulso personal de quien decide sumergirse en él. 

«Leido en menos de 24 horas, por lo que obtiene una puntuación muy alta en criterios de enganche y ritmo adictivo. Y para unas memorias de rock and roll, esos son criterios bastante importantes». 
Jonathan Aird, Americana UK

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Su olfato para el riesgo y su oído para el gran rock nos trajeron a The Jesus and Mary Chain, Primal Scream, My Bloody Valentine, Teenage Fanclub y Ride, antes de culminar en los noventa con una de las bandas más grandes del mundo: Oasis.

Nadie captura mejor el espíritu salvaje y feroz de la industria musical que Alan McGee, fundador de Creation Records. Más salvaje que sus propias bandas, más fuera de control que sus cantantes más locos, más obsesivo que sus contemporáneos y más cercano en espíritu a la estrella del rock and roll que nunca llegó a ser, McGee siempre ha vivido acelerado.

Cómo dirigir un sello indie es un recorrido fiero y sin censura por conciertos, clubes, despachos, drogas, alcohol, escenas delirantes, fichajes brillantes, frases demoledoras y un espíritu indomable capaz de resistirlo todo.

«Podéis aprender mucho de este libro. Pero quedáis avisados: niños, no intentéis esto en casa.» Penny Kiley – Louder than War

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Una mirada electrizante a momentos clave en la historia de la música y el entretenimiento entre 1955 y 1979, que ayudaron a mover la cultura gay desde los márgenes hacia el mainstream y cambiaron el rostro del pop para siempre: desde la ambigua sexualidad de estrellas como Little Richard en la década de 1950 hasta David Bowie, el glam rock y el ‘You Make Me Feel (Mighty Real)’ de Sylvester. 

El público secreto es un examen minucioso de la fortaleza y la resiliencia de la comunidad gay a través de la lente de la música y la cultura popular; reflexiona sobre la libertad encontrada en la divergencia de la norma y nos recuerda la necesidad de estar vigilantes contra aquellos que buscan revertir los derechos de los grupos marginados.

«La lucha por la liberación LGBTQ está en el corazón de la música y la cultura pop de la posguerra. El fascinante nuevo libro de Jon Savage lo revela todo». Neil Tennant, Pet Shop Boys 

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Todos creemos saber quién fue Tupac Shakur: el rapero al que mataron a tiros a los veinticinco años. Leímos la versión que difundieron los medios aquel septiembre de 1996. Escuchamos su voz en «California Love». Vimos su cara en camisetas del Bershka. 

Pero ¿de verdad lo conocemos?  

Al hijo de Afeni Shakur, la destacada líder de las Panteras Negras que lo crio entre consignas y asambleas.  

Al niño que escribía haikus y poemas para presos afroamericanos. 

Al alumno brillante de la Escuela de Artes de Baltimore que devoraba clásicos y soñaba con actuar.  

Staci Robinson revive el Tupac que jamás salió en los titulares: el humano. Con fotografías inéditas, poemas manuscritos, recuerdos personales y entrevistas sin censura a sus allegados, nos devuelve al joven que creció entre activismo, cultura urbana y una violencia sistémica que marcó su vida y su obra.  

«Un retrato fiel y detallado de un artista dedicado a ayudar a «otros a lograr la libertad frente a la opresión«. Enriquecido por valiosos fragmentos de los cuadernos y blocs de dibujo del rapero, que tendrán a los más devotos del hip hop cautivados» Publishers Weekly

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Este libro reúne algunos de los dardos más memorables lanzados por los hermanos a lo largo de los años: ataques verbales legendarios contra estrellas del pop, miembros de la realeza, futbolistas, viejos amigos y cualquiera que se haya cruzado en su camino. Aquí están los Gallagher en estado puro: mordaces, despiadados, divertidísimos y sin la menor intención de disculparse. 

Repleto de frases inolvidables y acompañado de ilustraciones llenas de humor, el libro captura el espíritu provocador que convirtió a Oasis en algo más que una banda: un fenómeno cultural. Ábrelo, ríete a carcajadas y disfruta de los Gallagher tal y como siempre han sido: sin filtros, sin concesiones y absolutamente inconfundibles. 

Ilustrado por Simon Spilsbury.

La entrada LOS MEJORES F*CKS DE OASIS se publicó primero en Liburuak.

La música ha jugado un papel central en todas las religiones, y también en prácticas folclóricas relacionadas con el hecho religioso e incluso con la magia ancestral, desde los cantos armónicos guturales empleados en los distintos chamanismos hasta el canto gregoriano o los himnos órficos que pretendían la invocación de las divinidades. 

La progresiva llegada de la Modernidad seculariza esa relación causa-efecto y desacraliza la música, mostrándola como arte profano, entretenimiento y mercancía. Esta visión laica de lo musical no ha impedido que, en los últimos años, en los que esta misma Modernidad está en crisis, haya un auge del simbolismo religioso y esotérico en los artistas más populares, desde Rosalía hasta Kanye West. 

Este libro no solo estudia el renacimiento religioso y místico en la canción popular contemporánea, sino que plantea una continuidad histórica entre las antiguas canciones litúrgicas y el pop. Tanto unas como otras requieren de las mismas materias primas: seducción y sacrificio. ¿Es tan distinto arrancar un corazón de poner un like con forma de corazoncito? 

Portada de Santiago Sequeiros

La entrada MÚSICA DE CARNE se publicó primero en Liburuak.

En sus múltiples facetas como músico, poeta, novelista y pintor, Billy Childish ha construido una obra que abarca más de 150 álbumes, miles de pinturas y una vasta producción literaria. Así, se ha consagrado como uno de los artistas más prolíficos de la cultura británica contemporánea en general y, más concretamente, de la escena punk, como The Milkshakes, Thee Mighty Caesars o Thee Headcoats, entre otras. Pero ¿qué hay detrás de esa motivación, por no decir obsesión?

El periodista Ted Kessler aborda esta cuestión a través de diversas entrevistas a personas cuyos caminos, sea por la causa que sea, se han cruzado con el de Childish; parientes, parejas, amigos, compañeros de trabajo (y fechorías)… Desde una dura infancia, marcada por abusos de todo tipo, una familia desestructurada, problemas académicos y el deseo de huida, el lector es testigo de su evolución como persona y personaje.

Este libro es, por encima de todo, un canto al poder redentor del arte y la creatividad: una historia sobre cómo hacer de la obra un refugio, una trinchera y una forma de supervivencia sin someterse a las normas del sistema.

«Uno de los libros de música más absorbentes, estremecedores, inspiradores y desconcertantes que leas este año. O en toda tu vida». Clash 

La entrada PARA CALMAR MI ATORMENTADA MENTE se publicó primero en Liburuak.

Desde la publicación de su primer y decisivo álbum en solitario, Little Earthquakes, Tori Amos se ha consolidado como una de las artistas más ingeniosas y perdurables de la industria musical; y lo ha conseguido enlazando lo personal con lo político.

Partiendo de sus recuerdos, Amos desentraña sus más de tres décadas de carrera musical y explica cómo consiguió crear una obra con resonancia y significado frente a las estructuras políticas, y cómo sus firmes declaraciones antibélicas, antirracistas y feministas, junto con su lucha por los marginados, han sido siempre su luz guía.

Además, mediante su propio proceso creativo, la música nominada a varios Grammy ofrece valiosas herramientas de inspiración para artistas, así como profundas reflexiones sobre la industria musical y la comercialización del arte.

Lleno de orientación compasiva y consejos prácticos —y utilizando algunas de las canciones más potentes y políticas del repertorio de Amos—, este libro muestra cómo la música puede ser un acto de resistencia en sí mismo.

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