La cultura es mucho más que entretenimiento o industria. Es el tejido que sostiene nuestra vida en común. Sin embargo, desde hace veinticinco años, gobiernos de todo el mundo la han reducido al lenguaje de la productividad, la innovación y el rendimiento económico. La cultura no es una industria revela por qué esta transformación ha debilitado al sector cultural, precarizado a sus trabajadores y vaciado de sentido nuestra relación con el arte y la creación.

Con una mirada incisiva, Justin O’Connor reconstruye la historia del auge de las «industrias creativas» y explica cómo un discurso nacido para defender la cultura terminó por entregarla a consultoras, algoritmos y valores empresariales. Pero el libro no es una elegía: es una propuesta. O’Connor plantea que la cultura debe entenderse como un derecho y una infraestructura social fundamental, indispensable para la democracia, la imaginación colectiva y nuestra capacidad de afrontar un futuro incierto.

Una obra urgente y esclarecedora que devuelve a la cultura el lugar que nunca debió perder.

«El brillante libro de Justin O’Connor aboga por una visión holística y ecológica de la cultura, en la que se entienda como una parte esencial del mantenimiento de una sociedad funcional» Brian Eno 

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Una crónica (c)oral en la que conviven diferentes escenas, ideologías y generaciones —de ayer y hoy— que lo cantaron, lo contaron, se sumaron y también que se opusieron.

A través de 71 entrevistas inéditas a Evaristo Páramos, Pako Eskorbuto, Fermin Muguruza, Loles Vulpes, Aurora Beltrán, Pablo Cabeza, Marino Goñi, Carlos Tena, Kirmen Uribe, Ramoncín, Mikel Erentxun, Anje Duhalde, Ruper Ordorika, Anari, Verde Prato o Chill Mafia; Jerry tira de los hilos que entretejen el relato de lo que fue el RRV, para recorrer orígenes, ascenso, caída, funeral y herencia del fenómeno.

Las escenas más icónicas (e iconoclastas) de la historia de la música vasca en los ochenta: Los Clash enarbolando una ikurriña en Anoeta, los fanzines tomando la calle, la izquierda abertzale cambiando el kaiku por la chupa de cuero, una fábrica abandonada, las Vulpes en TVE cantando «¡Me gusta ser una zorra!», un chute de heroína o los chavales corriendo delante (o detrás) de la policía fueron el coctel molotov de una juventud posfranquista que, sobre todo, quiso pasárselo bien. Y dar (o devolver) algo de guerra.

Cubierta de Niko Vázquez

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La ciudad donde quiero estar introduce y analiza de manera accesible la relación de la música con las ciudades. No se trata de la influencia que los entornos urbanos tienen en la música, sino del poderoso impacto que esta puede tener en cómo se desarrollan, cons­truyen, gestionan y gobiernan los espacios en los que vivimo.Shain Shapiro, experto en políticas musicales y culturales, a través de sus trabajos en ciudades de todo el mundo —como Londres, Melbourne, Nashville, Austin o Zúrich—, adopta una pers­pectiva global sobre las formas en las que la música es parte integral de la vida cotidiana pero es descuida­da por las políticas públicas.Este libro constituye una caja de herramientas para que los amantes de la música, artistas y activistas comiencen el proceso de reinventar sus comunidade

Para personas interesadas en la música, en las ciudades y en hacer de nuestro mundo un lugar mejor.

Imagen de cubierta: Alice Clarke

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A principios de los años ochenta se proclamaba con frecuencia el fin de la cultura juvenil. La edad adulta estaba de moda, al igual que el posmodernismo, la ostentación del éxito material y la cultura empresarial; y la música se acomodó segura junto a ese entorno. La fiesta de fin de siglo es un ensayo acerca de un definitivo cambio generacional en la música popular y la cultura juvenil, lo que significó y a lo que condujo. Esta edición adjunta un prólogo de Tara Brabazon, viuda del autor y Profesora de Estudios Culturales en la Universidad Charles Darwin, Australia, en el que indaga cómo podríamos recuperar el espíritu, la energía y la autenticidad de Madchester para una actual generación posjuvenil y pospop.

Si te interesa cómo se gestó uno de los movimientos culturales más excitantes del fin de siglo XX, este libro te va a gustar.

Fotografía de cubierta: Kevin Cummins

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Inspirado por unas palabras pronunciadas por Josephine Baker en la Marcha sobre Washington de 1963, Hanif Abdurraqib ha escrito una profunda y duradera reflexión sobre cómo la presencia escénica negra está inextricablemente entrelazada en el tejido de la cultura estadounidense.

Con una colección de 21 ensayos divididos, a su vez, en cinco movimientos que evocan tanto las secciones autónomas de una pieza musical como los movimientos físicos de un cuerpo que baila, Abdurraqib utiliza la danza y la música para explorar las emociones negras mediante la autobiografía confesional, el análisis de la cultura pop y varias figuras históricas; auscultando el significado de la actuación negra sobre los escenarios, la búsqueda de la individualidad y la voluntad de sobrevivir y prosperar.

«La historia de la música estadounidense no puede separarse de la historia de la música negra. Mucho de lo que veo hoy en el panorama de la cultura pop —y de mi infancia— se remonta y está vinculado a la innovación y la invención negra», explica Abdurraqib. «Pero el país no siempre valora a los negros como valora el arte negro o su creación. Y por eso es que pienso constantemente en cómo honrar esas cosas».

El libro explora el arte, la música y la cultura negra en toda su gloria y complejidad, desde Soul Train, Aretha Franklin, James Brown o Michael Jackson hasta El Príncipe de Bel-Air, Whitney Houston, Wu-Tan Clan, o Beyoncé.

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Como líder y principal letrista de The Clash, Joe Strummer convirtió muchas de sus canciones —«White Riot», «English Civil War», «London Calling»— en algunas de las proclamas más poderosas de su época. Este ensayo repasa sus convicciones sobre toda una serie de temas como el socialismo, la alienación, la explotación, el multiculturalismo o el humanismo, analizando su influencia e impacto, y preguntándose de dónde procede y cómo han evolucionado con el tiempo. Basándose en las propias letras, en varias entrevistas y en grabaciones pirata, así como en testimonios de las personas a las que inspiró,“La política punk rock de Joe Strummer” invita al lector a un viaje a través de las influencias y motivaciones políticas que definieron a uno de los mayores iconos del punk del Reino Unido.

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Para ello, el libro va recorriendo las distintas influencias que le rodearon, comenzando por su infancia en Dyess, un pueblo creado por el New Deal para combatir los efectos de la Gran Depresión y que, en palabras del propio Cash,“funcionaba en régimen de cooperativa.” A partir de ahí, analiza su recurrente conexión con los perdedores y los que levantaron el país con su esfuerzo; con los soldados que luchan en guerras que otros decretan, los indios desposeídos de sus tierras, los afroamericanos sin derechos, los presos o los forajidos. El pensamiento de Cash, a través de sus declaraciones públicas, su programa televisivo o sus letras, es tan difícil de categorizar, que lo mismo puede ser abrazado por el ala más radical de los republicanos, que por aquellos que se identifican con el ideario antisistema. El resultado es un libro profundamente humanista, que nos abre la mente y huye del dogmatismo.

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“La cultura te mantendrá en forma y saludable”. “La cultura une a la comunidad”. “La cultura mejora tu educación” … Es el mensaje que lanzan continuamente los gobiernos y las instituciones. Sin embargo, este libro nos advierte de que debemos ser cautelosos con el actual concepto de “cultura”, y abordar la transformación de las actuales industrias culturales.

Este libro, producto de un profundo análisis académico de las estadísticas oficiales y la propia investigación de sus autores, examina las intersecciones entre grupos étnicos, clase y género en los mecanismos de exclusión de la cultura. Una exclusión que, a pesar de lo que digan las instituciones y las empresas, deja atrás a mujeres, personas racializadas y de clase trabajadora. Mientras no se aborden las desigualdades que caracterizan tanto a la fuerza laboral como a la audiencia, la contribución positiva que la cultura hace a la sociedad nunca podrá realizarse por completo.

Coescrito por:

ORIAN BROOK es investigadora sobre igualdad en el sector cultural en la Universidad de Edimburgo, con un especial interés por la economía creativa. Además, es doctora por la Universidad de St. Andrews y anteriormente ha trabajado para diversas organizaciones culturales.

DAVE O’BRIEN es miembro del consejo de Industrias Culturales y Creativas de la Universidad de Edimburgo e investigador en el Creative Industries Policy and Evidence Centre. Ha investigado sobre la crisis de movilidad social en la Industrias Creativas y es autor del Creative Majority, un informe sobre diversidad publicado por All Party Parliamentary Group for Creative.

MARK TAYLOR es profesor titular de métodos cuantitativos en la Universidad de Sheffield. Sus intereses de investigación se dirigen particularmente hacia la visualización de datos.
Además de su trabajo sobre el impacto del covid-19 en el sector cultural, actualmente trabaja en proyectos sobre diversidad en la fuerza laboral de los videojuegos, y sobre conocimientos y actitudes hacia las prácticas de datos.

Imagen de cubierta: Irma Marco

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¿Qué es reggaetón? ¿Qué no lo es? ¿De dónde viene? ¿Puerto Rico o Panamá? Si el reggaetón es el nuevo pop, ¿qué es el trap? ¿Cuáles son las claves de su industria? ¿Cómo ha afectado a esta la pandemia? ¿Qué sucede en la escena española?

Este ensayo es una aproximación pionera, tan rigurosa como entusiasta, a la historia y sociología del género musical urbano por excelencia; que lo conecta con otras músicas como el reggae y el hip hop (naturalmente), el pop, el rock, la salsa, el bolero; y con temáticas vigentes que exceden (o no) al reggaetón; la vida en las calles, las rivalidades artísticas, el revolucionario papel ocupado por las mujeres en la actualidad, la industria donde circula la música y desde luego, las raíces. Los fundamentos de la perreología, por uno de sus mejores conocedores.

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